История искусства всегда развивалась параллельно с историей человечества. Каждая эпоха оставляла след в визуальных формах — от наскальных рисунков десятки тысяч лет назад до экранов смартфонов сегодня. Мы наблюдаем очередной поворот: искусство постепенно перемещается в цифровую среду, отражая то, как меняется наша жизнь, коммуникации и способы восприятия мира.

 

Мы живем в реальности, где технологии становятся естественной частью повседневного опыта. Логично, что в эту же среду перемещаются и художественные практики. Возникает ряд вопросов: что это значит для искусства как культурного явления и что говорит о нас самих?

Разбираемся вместе с Алисой Лисовской, искусствоведом, преподавателем Британской высшей школы дизайна, арт-продюсером проекта Futuart и куратором выставки цифрового искусства «Гибридные хроники».

 

 

Что такое цифровое искусство?

Цифровое искусство (digital art) — это форма художественной практики, в которой технологии выступают не только средой создания, но и способом художественного выражения. Они позволяют работать с формами и эффектами, которые были невозможны в физическом мире, но при этом остаются всего лишь инструментами — как краски или камень в прошлом.

 

   

Главное в цифровом произведении — не сама технология, а концепция, эмоциональное воздействие и способ взаимодействия со зрителем

    

В центре всегда стоит идея и то эмоциональное переживание, которое испытывает зритель. Компьютерная графика, генеративные модели, VR- и AR-среды, нейросети — это новые виды «кистей», с помощью которых художник создает особое пространство опыта. Они помогают усилить замысел, вовлечь зрителя, построить интерактивный диалог, но не подменяют собой художественное мышление.

Переход в цифровую среду расширяет и привычные представления об эстетике. Красота здесь все чаще связана не с материалом и техникой исполнения, а с концептуальностью, интерактивностью и динамикой. Произведение может меняться, реагировать, трансформироваться — и именно эта изменчивость становится сегодня эстетической ценностью.

 

 

Предшественники digital art: краткий исторический экскурс 

Первые шаги к цифровому искусству появились задолго до того, как компьютер стал привычным предметом на рабочем столе. В 50-е годы Бен Лапоски экспериментировал с осциллографом, превращая колебания электронных волн в абстрактные световые рисунки. Спустя десятилетие Джон Уитни начал работать с компьютерной анимацией, а Айвен Сазерленд создал Sketchpad — первую интерактивную графическую программу, позволившую художнику рисовать прямо на экране.

В 80-е художник Гарольд Коэн разработал AARON — одну из первых систем, способных самостоятельно генерировать изображения. Примерно в это же время появились и первые массовые графические редакторы вроде MacPaint, благодаря которым цифровое творчество стало доступнее.

 

 

Художник новой эпохи: автор, исследователь, инженер 

Современный цифровой художник работает на стыке нескольких дисциплин. Ему необходимо не только формулировать художественную концепцию, но и создавать технологическую среду, в которой эта концепция воплотится. Это может быть взаимодействие с данными, алгоритмами, трехмерной графикой, интерфейсами или генеративными моделями.

Эту многослойность хорошо видно на примерах современных медиахудожников. Рефик Анадол (Refik Anadol) использует машинное обучение и обработку больших данных, превращая информационные массивы в иммерсивные медиаинсталляции. Марио Клингеманн (Mario Klingemann), один из пионеров нейросетевого искусства, исследует возможности генеративных моделей и машинного зрения, а Beeple использует NFT как механизм распространения цифровой живописи и построения масштабных визуальных нарративов.

В результате произведение становится своеобразной системой — сочетанием художественного замысла и технической архитектуры, которая определяет логику его существования.

Сама роль художника при этом тоже меняется: он все чаще выступает как исследователь, инженер и медиатеоретик, способный понимать, какие социальные, культурные и перцептивные последствия несут с собой новые технологии. Искусство становится полем эксперимента, где художественный язык переплетается с научно-технологическими методами.

Зритель как участник, а не наблюдатель 

Цифровое искусство существенно меняет поведение зрителя. Вместо пассивного созерцания человек становится активным участником. Его перемещения, жесты, выбор маршрута, взаимодействие с интерфейсом могут влиять на структуру произведения, на его визуальную динамику и смысловые акценты.

 

   

Этот новый тип взаимодействия требует иного восприятия: человек находится внутри художественного опыта, а не перед ним

    

Тем не менее зритель не становится соавтором в полном смысле слова: он не задает концепцию и не формирует алгоритм, а лишь активирует возможности, предусмотренные художником.

Этот поворот в сторону погружения и гибридности приводит к более глубокому изменению: размываются границы между физическим и виртуальным, между реальным и сгенерированным. Художественный опыт возникает на стыке двух миров, и именно это новое промежуточное пространство становится зоной активного осмысления современного искусства.

Во многом этим вопросам посвящена выставка «Гибридные хроники», которая сейчас проходит в центре цифрового искусства «Внутри». Она исследует, как цифровые и физические среды могут сосуществовать, пересекаться и взаимно усиливать друг друга.

 

 

Экосистема цифрового искусства: от музеев до брендов 

Сегодня цифровое искусство развивается внутри сложной и многослойной экосистемы. Она включает в себя музеи и галереи, медиацентры, VR-платформы, NFT-рынки и разнообразные виртуальные пространства, где художественные практики получают новые формы присутствия. Важную роль играют и форматы поддержки: арт-резиденции, гранты, а также технологические партнерства. Именно такие коллаборации, как сотрудничество Рефика Анадола с Nvidia или Beeple с Christie’s, показывают, что цифровое искусство способно существовать в продуктивном диалоге сразу с несколькими секторами: от высоких технологий до институционального арт-мира.

На этом фоне формируется и рынок: он живет на пересечении традиционной коллекционной логики и механизмов цифровой экономики и стремительно растет. Уже в 2025 году его объем оценивается в 5,8 миллиарда долларов, а к 2032 году прогнозируется увеличение почти втрое — до 17,7 миллиарда долларов со среднегодовым темпом роста около 17 %.

Отдельным важным направлением становятся проекты, возникающие на стыке цифрового искусства и брендов. Интерес к таким форматам стремительно растет: корпоративные и коммерческие команды все чаще привлекают художников для создания медиафасадов, VR-сред, интерактивных цифровых инсталляций или генеративных визуализаций.

Сегодня мы видим настоящий симбиоз брендов, маркетинга и искусства: от цифровых инсталляций и генеративных визуализаций до VR/AR-опытов для кампаний и мероприятий. Nike работает с художниками над NFT-кроссовками, а Google Arts & Culture поддерживает VR-проекты — цифровое искусство становится частью большого культурного и коммерческого процесса.

Такие проекты выполняют одновременно и коммуникационную, и художественную функции, расширяя аудиторию цифрового искусства и показывая, насколько органично оно может интегрироваться в самые разные сферы.

ИИ в искусстве: расширение возможностей или угроза авторству? 

Искусственный интеллект сегодня активно используется в работе художников — от генерации визуальных структур до анализа данных и моделирования сложных процессов. При этом сама технология все чаще входит в институциональный контекст: первый музей AI-искусства Dataland, созданный Рефиком Анадолом в Лос-Анджелесе, стал показателем того, что ИИ воспринимается не только как инструмент, но и как самостоятельный игрок в современной культурной экосистеме.

Тем не менее принципиально важно понимать: даже при всей видимой автономности ИИ остается средством выражения. Он может предложить вариации, расширить визуальную палитру и сделать возможными формы, которые раньше были технически недостижимы, но не формирует концепцию и не определяет художественные рамки.

Смысл, контекст и критерии эстетической значимости задает автор. Алгоритмы лишь реализуют эти намерения в новой, ранее невозможной форме — и именно это сохраняет роль художника центральной, а не вспомогательной.

 

 

Как технологии меняют порог входа в искусство 

За последние годы радикально изменилось само ощущение доступности искусства. Кажется, что теперь для творчества достаточно смартфона, генеративной программы или любого доступного ИИ-инструмента — и визуальный контент можно создавать буквально за секунды. Возникает вопрос: означает ли это, что искусство стало открыто каждому? И не приводит ли такая доступность к обесцениванию профессионального художественного труда?

 

   

Порог входа значительно снизился, однако доступ к инструменту не равен художественному мастерству

    

Доступность технологий действительно расширила круг людей, которые могут попробовать себя в творчестве. Порог входа стал ниже, а объем доступных инструментов — шире. Но искусство не становится проще или легче — оно лишь меняет критерии ценности. В центре оказывается не владение техникой или способность генерировать изображение, а умение создавать смыслы, работать с идеей, выстраивать взаимодействие со зрителем и формировать новые эстетические и культурные модели.

Путь в digital art сегодня может начаться по-разному: одни приходят из программирования, другие — из визуальных искусств, дизайна или анимации. Но успешная практика почти всегда строится на сочетании трех компонентов: технических навыков, развитой визуальной культуры и концептуального мышления.

Будущее цифрового искусства

Будущее цифрового искусства формируется на стыке нескольких ключевых направлений. ИИ позволяет создавать динамичные произведения, которые существуют не в одной фиксированной версии, а во множестве вариаций. VR- и AR-среды становятся полноценными пространствами для художественных миров, где зритель не просто наблюдатель, а участник.

В ряде стран цифровое искусство уже стало частью городской повседневности. В ОАЭ, например, медиафасады и интерактивные дисплеи встроены в архитектуру так же естественно, как стекло или бетон, и формируют новый, живой тип визуальной среды.

Постепенно digital art перестает быть отдельным жанром или технологической новинкой. Он становится фоном и формой современной культуры, меняя то, как мы воспринимаем пространство, читаем информацию и понимаем само художественное переживание. Цифровое искусство — не про будущее, которое когда-то наступит. Оно — про настоящее, которое уже незаметно стало другим.

 

ФОТОГРАФИИ: Центр цифрового искусства «Внутри»