Фестиваль неординарных музыкальных событий Sound Up отмечает первый юбилей. За десять лет из серии концертов, открывающих российскому слушателю композиторов и исполнителей, которые работают в пространстве новой академической музыки, электроники и авангарда, фестиваль превратился в заметную культурную институцию с собственными философией и видением, а также узнаваемыми эстетикой и почерком, и его вклад в развитие российской сцены с каждым годом лишь увеличивается. По просьбе «Большого Города» музыкальная журналистка и автор канала «Слова с музыкой» Кристина Сарханянц рассказывает о десяти героях и событиях Sound Up, которые повлияли на российский культурный ландшафт и сформировали поколение любопытных слушателей.

Автор: Кристина Сарханянц

 

Мартин Кольштедт

Немецкий пианист и композитор Мартин Кольштедт принадлежит к числу тех представителей новой академической сцены, которые с начала 2010-х смело экспериментировали со звучанием своего основного инструмента — фортепиано и для этого активно использовали электронные примочки, что размыло границы жанра за счет заимствования средств выразительности из эмбиента, минимала, чилаута и других стилей электронной музыки.

Кольштедт стал идеальным кандидатом для первого события в лайнапе Sound Up, прошедшего в Мультимедиа Арт Музее в феврале 2016 года, не только потому, что его музыка точно отражала запрос команды фестиваля на новых героев, умеющих передать в своих произведениях пресловутый дух времени и формирующих актуальную музыкальную повестку, но также и благодаря бунтарскому, ломающему каноны образу музыканта: в 2016-м парень за роялем ассоциировался у широкой публики в России скорее с чопорными образами классиков во фраках, нежели со стильным молодым исполнителем в костюме Yohji Yamamoto или, к примеру, с татуировками. Так что первое российское выступление Кольштедта во многом стало откровением для московской публики, которая привыкла взаимодействовать с академической музыкой в рамках строгого регламента.

Решение Sound Up вывести фортепиано и оркестр из храмов классической музыки на более демократические, а в дальнейшем и экспериментальные в плане возможностей звучания площадки, а зрителей сделать полноценными участниками шоу, которые сами определяют новых героев сцены, можно считать поистине революционным. Ну а Кольштедт, выступивший в Мультимедиа Арт Музее при поддержке российских альтиста Сергея Полтавского и пианиста и композитора Миши Мищенко, своими фортепианными этюдами завоевал сердца отечественных слушателей и в последующие годы с большим успехом гастролировал по самым разным российским залам и фестивалям.

 

 

Габриэль Прокофьев

Внук великого русского композитора, англичанин Габриэль Прокофьев — музыкант, чьи интересы, помимо очевидной классики, на протяжении всего творческого пути включали в себя и рок, и танцевальную электронику, и хип-хоп, и многое-многое другое. Более того, долгое время Габриэль сторонился академической среды, испытывая что-то вроде комплекса по отношению к дедушке, поэтому для своих экспериментов в смежных стилистических направлениях он основал лейбл с говорящим названием Nonclassical. Однако амбиции и любопытство победили, и в 2006 году Прокофьев подвел итог своему многолетнему межжанровому поиску, написав концерт для оркестра и… диджея-тернтейблиста. И снобистский мир академической музыки оказался от этого эксперимента в полном восторге.

Да, из 2025-го может показаться, что связь классической и популярной музыки была очевидна всем и всегда (в конце концов, позаимствовала же Леди Гага тему фуги Баха из «Хорошо темперированного клавира» для своего хита 2009 года «Bad Romance»). Однако одно дело — одолжить кусочек из классики и вставить его в свой хит или стилизовать его для поп-аранжировки, и совсем другое — создать пространство для полноценного диалога между академической традицией и хип-хопом c клубной электроникой, как в случае Concerto for Turntables Прокофьева.

Российский концерт-бенефис музыки Прокофьева, включивший московскую премьеру Concerto for Turntables, прошел в Большом колонном зале Дома Союзов в декабре 2017-го в рамках Sound Up и при участии культового российского тернтейблиста DJ Tactics и ансамбля «Студия новой музыки» под управлением Станислава Малышева.

 

 

Мика Леви

Британский композитор и продюсер Мика Леви (Микачу), хоть и происходит из семьи с богатым музыкальным бэкграундом (дед — скрипач, отец — пианист, мать — преподавательница игры на виолончели, а сама Мика в детстве брала уроки игры на альте) и имеет классическое в этом плане образование, прославилась на лондонской инди-сцене конца 2000-х — начала 2010-х как предводительница экспериментальной группы Micachu and the Shapes (к концу минувшего десятилетия они сменили название на Good Sad Happy Bad).

Критики описывали Micachu and the Shapes как авант-поп-коллектив, смешивающий присущие популярной песне мелодии с приемами из экспериментальной электроники, лоу-файных жанров и нойза. Возможно, именно причудливость, ломаность, нездешность сонграйтерского таланта Леви и приметил английский кинорежиссер Джонатан Глейзер, в 2013-м пригласивший Мику написать музыку к его научно-фантастическому триллеру «Побудь в моей шкуре» со Скарлетт Йоханссон, исполнившей в фильме главную роль инопланетянки, охотящейся на земных мужчин. Киносообщество по достоинству оценило минималистичный и клаустрофобный саундтрек Леви, значительно добавивший картине атмосферы, и в 2016-м она выступила кинокомпозитором в байопике Пабло Ларраина о Жаклин Кеннеди «Джеки», причем получила за эту свою работу номинацию на «Оскар». В 2023-м Леви вновь сотрудничала с Глейзером, создав музыкальное сопровождение для его исторической драмы «Зона интересов» — этот саундтрек был признан лучшим на Каннском кинофестивале — 2023.

Словом, неудивительно, что представить Леви российскому слушателю Sound Up решили именно через эту ее ипостась на концерте серии Prime в Большом зале «Зарядья» в декабре 2019-го, где киномузыка британской звезды прозвучала наравне с произведениями крупнейших современных голливудских мастеров, таких, например, как Ханс Циммер и Александр Деспла.

 

 

Фолькер Бертельман

В 2016 году немецкий пианист и композитор Фолькер Бертельман, взявший себе псевдоним в честь не самого известного австрийского композитора XIX века Винценца Хаушки, пребывал в статусе восходящей звезды новой академической сцены. В среде поклонников академа он был известен прежде всего как автор музыки для «подготовленного», или препарированного фортепиано, когда между и на струнах рояля зажимаются и располагаются различные предметы, подчас радикально меняющие звучание инструмента и добавляющие ему оттенки вплоть до перкуссионного.

Массовый же слушатель узнал о Хаушке несколько месяцев спустя, когда музыкант проснулся всемирно известным кинокомпозитором благодаря номинации на премию «Оскар» за саундтрек фильму Гарта Дэвиса «Лев». А через несколько лет, в 2023-м, Бертельман получил заветную статуэтку за музыку к фильму Эдварда Бергера по роману Эриха Марии Ремарка «На Западном фронте без перемен». Но, как говорится, благодаря кураторам Sound Up гости вечера в Большом колонном зале Дома Союзов получили возможность оценить Хаушку до того, как он стал мейнстримом.

 

 

Мередит Монк

Основой творческого метода Монк, повлиявшей на многих музыкантов и художников разных поколений — от минималистов Стива Райха и Филиппа Гласса до певицы до Бьорк и музыканта Брайана Ино, — стало исследование возможностей человеческого голоса и расширенных техник пения. 

Раскрыть идеи Монк солистам вокального ансамбля Intrada помог большой читальный зал Российской государственной библиотеки с его своеобразной историей и акустикой и режиссер Юрий Квятковский. В ноябре 2022-го, когда команда Sound Up решила отметить 80-летие иконы нью-йоркской экспериментальной сцены Мередит Монк, зрители заняли места не в привычном театральном партере, а за легендарными столами с зелеными лампами в стенах Ленинки, которые наверняка до того не видели и точно не слышали ничего подобного. Под немой и, увы, напрасный упрек расставленных по залу табличек «Соблюдайте тишину!» прозвучали знаковые произведения для голоса Мередит Монк, а также Дэвида Лэнга, Джулии Вольф, Джада Гринстайна и Кэролайн Шоу.

 

 

Джонни Гринвуд

Сооснователь и гитарист группы Radiohead, британский мультиинструменталист Джонни Гринвуд не то чтобы нуждается в отдельном представлении, но вообще-то у него есть несколько ипостасей, которые не так хорошо известны широкому слушателю. Например, увлечение Гринвуда волнами Мартено — ранним монофоническим (то есть одноголосным) электронным музыкальным инструментом, созданным в начале XX века французским виолончелистом и педагогом Морисом Мартено, — привело музыканта к знакомству с творчеством Оливье Мессиана, одного из первых популяризаторов этого инструмента, и интересу к написанию академической музыки и саундтреков. В 2004-м Гринвуд стал штатным композитором BBC и, в частности, написал для радио BBC Three ряд симфонических произведений, а уже в 2007-м выступил в роли автора саундтрека к художественному кино, написав музыку к фильму «Нефть» Пола Томаса Андерсона (вообще же, свой первый саундтрек Гринвуд написал к документалке 2003 года Bodysong). С тех пор Гринвуд выступил автором киномузыки почти к десятку картин, в том числе к «Мастеру», «Врожденному пороку» и «Призрачной нити» того же Пола Томаса Андерсона, «Тебя никогда здесь не было» Линн Рэмси, «Власти пса» Джейн Кэмпион и «Спенсер» Пабло Ларраина. Российская премьера избранной киномузыки Джонни Гринвуда в исполнении симфонического оркестра состоялась в рамках концерта Sound Up Prime в Большом зале «Зарядья» в декабре 2019-го.

 

 

Кэролайн Шоу

В 2014-м американская композитор, скрипачка и певица Кэролайн Шоу стала самым молодым лауреатом музыкальной Пулитцеровской премии за свою «Партиту для восьми голосов», написанную годом ранее. Партита представляет собой 25-минутный экскурс в историю вокальной ансамблевой музыки и одновременно — чистейшей воды аттракцион, исполненный потрясающей глубины и красоты и в то же время драмы музыкальный фокус, разворачивающийся на глазах (то есть в ушах) зрителя посредством одного-единственного инструмента — голоса.

Вообще, взгляд изобретательной американки на использование голоса на сегодняшний день считается одним из самых оригинальных в современной музыке — заметную роль играет тот факт, что Шоу и сама остается певицей и участвует в исполнении своих произведений, а следовательно, как никто чувствует пластичность голоса как инструмента. При этом Шоу успешно лавирует между пространствами академической и популярной музыки, став своего рода амбассадором от академии в последней. Так, можно отметить участие композитора в записи альбома Канье Уэста «The Life of Pablo», которое наверняка стало для нее выходом за рамки привычного формата. 

К слову, о формате. Sound Up тоже активно экспериментирует… с площадками: подземный паркинг, читальный зал библиотеки (читайте также раздел о Мередит Монк. — «БГ»), электродепо монорельса, экс-водный коллектор — вот лишь несколько локаций, которые за последние годы фестиваль использовал для проведения эксклюзивных сайт-специфик-перформансов. На поиск столь оригинальных решений и создание единственного в своем роде слушательского опыта Sound Up всегда вдохновляла и подталкивала музыка композиторов. В частности, для концерта Sound Up Vocal, который прошел в декабре 2021 года на подземной парковке парка «Зарядье», был посвящен современной вокальной музыке и включал, помимо прочего, российскую премьеру пьесы Кэролайн Шоу «To the Hands: No 6. I Will Hold You», команда фестиваля попросила театрального режиссера Юрия Квятковского создать музыкальный променад, в котором зрители и солисты вокального ансамбля Intrada находились во взаимодействии друг с другом и пространством, а перемещаясь, использовали его особенности, попутно раскрывая как акустику локации, так и дополнительные смысловые слои, возможно, бессознательно заложенные авторами в свои партитуры.

 

 

Джон Лютер Адамс

В декабре 2019-го российский слушатель получил возможность познакомиться с музыкой одного из, возможно, самых своеобразных композиторов современности — американца Джона Лютера Адамса. Адамс, в минувшем январе отметивший 72-летие, увлекся музыкой и начал играть рок еще в 60-х, будучи подростком, а позднее через одного из своих кумиров, Фрэнка Заппу, открыл для себя творчество и музыкальную философию Эдгара Вареза, Джона Кейджа и Мортона Фельдмана и в собственном поиске стал отталкиваться от заложенных ими идей, в частности от опыта минимализма.

При этом Адамса всегда привлекала инвайронменталистика, и, когда в 1975 году в рамках одной из экспедиций общества по охране окружающей среды, в котором он состоял, Джон Лютер приехал на Аляску, он решил поселиться там. Именно вдали от цивилизации и шума времени окончательно сформировались его взгляды на мир и музыку, что нашло выражение в абсолютно уникальном медитативном языке, который критики называют «звуковой географией». В 2014-м Адамс получил Пулитцеровскую премию за написанную годом ранее партитуру «Become Ocean» («Стать океаном»). Произведение, которое можно смело назвать magnum opus композитора, не только наиболее полно раскрывает его позицию как философа и экоактивиста (Адамс выступает с позиции искусства как средства борьбы с климатическим кризисом и агитации за экологические подходы), но и примечательно с точки зрения организации звука в пространстве: во время исполнения партитуры симфоническим оркестром, который, к слову, использует нетрадиционную рассадку, звук плывет над слушателями, перекатывается по залу подобно волне, тем самым создавая эффект невероятного погружения в пучину музыкальной мысли Адамса.

В декабре 2019-го «Become Ocean» впервые прозвучала в России в рамках Sound Up в тогда еще относительно недавно открывшемся зале «Зарядье». Тем вечером фестиваль запустил сразу два новых своих проекта. Во-первых, команда Sound Up представила первый в России симфонический оркестр, специализирующийся на музыке современных композиторов (конкретно в тот вечер им управлял знаменитый британский дирижер, один из основателей London Contemporary Orchestra Роберт Эймс, а во-вторых, концерт открыл серию Prime, в которой создатели Sound Up знакомят российскую публику с сочинениями, отмеченными самыми престижными мировыми премиями.

 

 

Игорь Яковенко

Одним из самых заметных героев российской новой академической сцены в последние годы стал композитор и пианист Игорь Яковенко, чей неукротимый исследовательский дух нередко заводит его на территории, где слушатель уже не до конца понимает, на концерте какого рода находится — классику ли он слышит или нечто экспериментальное, с примесью электроники или традиционного звучания? И это сделало Яковенко и Sound Up идеальными partners in crime. 

Например, одной из их совместных вылазок за границы привычного и своего рода вызовом стало создание Яковенко специально к Международной ярмарке современного искусства Cosmoscow 2023 нового прочтения хита академического репертуара, пьесы главного европейского минималиста, нидерландского композитора Симеона тен Хольта «Canto Ostinato» в аранжировке для оркестра русских народных инструментов. Для концерта Sound Up Vocal на подземной парковке парка «Зарядье» (2021) Яковенко написал пьесу «Cicero Is Typing…» — вокальный диалог о природе добра и зла, происходящий между Марком Туллием Цицероном и Фридрихом Ницше. А для события Sound Up Music of Oasis в рамках фестиваля современной музыки и культуры стран Ближнего Востока и Северной Африки Mawaheb (2021) в Государственной академической капелле Санкт-Петербурга — «Орикс» для кануна и симфонического оркестра.

ИНТЕРВЬЮ

Игорь Яковенко —

о синестезии и «Smells Like Teen Spirit» посреди Мусоргского

 

 

Майкл Гордон

Американский композитор и сооснователь культового ансамбля современной музыки Bang on a Can Майкл Гордон — автор огромного корпуса музыки (почти 90 сочинений в самых разных жанрах — от камерных до оркестровых, хоровых и театральных), в которой органично переплетены элементы крупнейших и самых значительных направлений развития музыкальной мысли XX и начала XXI века — модернизм и авангард, фанк и джаз, хип-хоп и рок, электроника и минимализм.

И хотя музыкальный язык Гордона представляет собой типичный образец американского минимализма, зачастую в его сочинениях паттерны объединены в контрастные эпизоды, а содержательно пьесы обыгрывают или отражают актуальные и исторические события, автобиографические воспоминания, современную поэзию и драматургию, образы природы и даже бытовые моменты. Так, источником вдохновения для пьесы «Каждая остановка на маршруте метро F» («Every Stop on the F Train») буквально стали названия станций одного из маршрутов нью-йоркского метро.

Один из композиторских интересов Гордона — формирование для слушателя особого пространственно-звукового опыта, когда локация, выбор инструмента для исполнения произведения, состав и даже рассадка музыкантов позволяют создать акустический спецэффект объемного звука. Представьте себе, например, что восемь виолончелистов сидят в круге, и еще одним кругом вокруг них располагаются слушатели. Исполнители перебрасывают друг другу музыкальные фрагменты, создавая эффект то ли готического храма, где хор в разных частях постройки последовательно подхватывает один григорианский хорал, то ли ультрасовременного электронного произведения. Так выглядит и звучит пьеса Майкла Гордона «Eight» для восьми виолончелей, российскую премьеру которой Sound Up представит 21 марта. Фестиваль и прежде не раз обращался к музыке Гордона, композитора, чьим новаторским подходом команда проекта во многом вдохновляется. Так, его «He Saw a Skull» для хора прозвучал в рамках события Vocal. Поэтому свой юбилейный, десятый сезон Sound Up решил открыть именно музыкой Гордона, произведением, которое считается чем-то вроде визитной карточки великого американского современника. На концерте 21 марта пьеса «Eight» прозвучит в интерпретации октета Sound Up во главе с Ольгой Калиновой. Музыкальную премьеру поддержит диджитал-арт-проекция на 360° от визионеров в области цифрового искусства, дуэта Кристины Карпышевой и Александра Лециуса 404.zero.

 

Фотографии: предоставлено Sound Up